É missão do Festival Anual de Teatro Académico, desde a sua primeira edição, promover e divulgar o Teatro Universitário português, garantindo-lhe um lugar de honra na vida cultural portuguesa.
O Teatro Universitário, desenvolvido no âmbito das instituições de Ensino Superior é, sem dúvida, uma das atividades extracurriculares estudantis de maior significado sociocultural e histórico no meio universitário português.
De 10 a 19 de maio, o FATAL apresenta cerca de 20 espetáculos, distribuídos por três categorias. Em Competição apresentar-se-ão espetáculos selecionados por um grupo de especialistas. Teremos Mais Fatal com espetáculos de grande qualidade que não integrarão a competição. O Fatal Convida grupos internacionais que contribuem para a diversidade do festival.
Mais uma edição, mais um ano em que o FATAL coloca a ULisboa e a capital na rota dos grandes festivais europeus de teatro universitário.
Distingue o melhor peça apresentada
Ao grupo vencedor é também atribuído um troféu, uma escultura criada por Ricardo Manso que se estrutura a partir das dualidades acor/personagem, palco/plateia, real/fictício, evocando a elevada rotatividade dos seus elementos e dos próprios membros dos grupos de teatro universitário, mas cujo trabalho está apoiado, contudo, no contexto sólido das instituições (cidade, universidade) – a cadeira na cidade e na universidade.
Consagra, anualmente, o espetáculo mais inovador
Ao grupo mais inovador e criativo, é ainda atribuída uma escultura criada por Catarina Alves que evoca a fragilidade, o risco e a instabilidade do teatro universitário e de toda a criação artística, as quais, pela sua própria natureza, proporcionam as condições ideias à inovação e à elevação da qualidade da obra – a cadeira fatal.
O júri do FATAL 2018 é composto por Anick Bilreiro, em representação da Câmara Municipal de Lisboa, Jorge Lucas, em representação da Fundação Calouste Gulbenkian, Paulo Morais em representação do Instituto Politécnico de Lisboa, Teresa Faria, em representação do Centro de Estudos de Teatro da Faculdade de Letras da ULisboa e por Márcia Breia, atriz portuguesa de renome.
REGULAMENTO ATRIBUIÇÃO DE PRÉMIOS E MENÇÕES HONROSAS ATA DE DELIBERAÇÃO
O Teatro dos Estudantes da Universidade de Coimbra (TEUC) foi fundado em 1938. Em 2018 comemora 80 anos de vida e é o grupo de Teatro Académico, em atividade contínua, mais antigo da Europa.
Mas o TEUC é muito mais do que um número bonito e redondo. É uma escola de atores, encenadores, formadores, diretores, cenógrafos, figurinistas, técnicos de luz e som. É um lugar onde, além de artistas, se formam pessoas para o mundo.
Desde o primeiro dia que o TEUC se caracteriza pela vontade dos jovens, pela sua inovação e empreendedorismo. No passado, nomeadamente durante o período do Estado Novo, foi um centro de resistência a todas as forças que tentaram limitar a criatividade e a criação artística, em todas as suas vertentes.
Lutou pela Liberdade e, quando ela chegou, não mais baixou os braços. Muito pelo contrário. Fez dela a sua essência, cresceu e tem vindo a florescer naquilo que é hoje: um local de experimentação e aprendizagem, de expressão de sonhos e vontades de denominador comum.
Por tudo isto, na sua 19.ª edição, O FATAL presta ao TEUC uma mais do que merecida homenagem.
Este inquérito destina-se a recolher alguns dados estatísticos.
Não demora mais de 3 minutos a preencher.
Agradecemos desde já a sua disponibilidade.
com Bruno Schiappa
15 e 17 de maio de 2018 | 14h00 às 18h00
A memória dos sentidos é a base do trabalho sobre O Método, de Lee Strasberb, e é utilizada por performers de várias disciplinas artísticas. Este workshop estimula o (re)conhecimento dessa memória, através de uma estimulação específica, que permitirá aos participantes fazerem escolhas pessoais para os seus processos criativos.
com Sílvia Raposo
10 e 11 de maio de 2018 | 14h00 às 17h00
A dramaturgia, na contemporaneidade, já não é somente uma disciplina de âmbito teórico onde se aprende a identificar e analisar modelos de dramaturgia escrita ou mesmo a compor e rescrever textos dramáticos, mas uma prática e modo de estruturação de um espectáculo, um sentido que retira a prática dramatúrgica do âmbito restrito do trabalho sobre o texto literário e coloca essa prática no amplo domínio da criação de um espectáculo. Posto isto, o workshop, através de uma componente prática, tem como objectivo compreender e experienciar o modo como estes entendimentos coexistem, bem como refletir e evidenciar os princípios básicos diferenciadores da prática dramatúrgica, que não pertence somente ao "teatro" entendido como lugar exclusivo da Palavra ou do Texto.
com Inês Nogueira
16 e 18 de maio | 14h00 às 18h00
Neste processo de formação vamos tomar consciência da nossa voz, como desenvolver a comunicação e expressão e, ainda, experimentar as suas possibilidades no relacionamento criativo para cena. Aprender a aquecer a voz preparando-se para as apresentações públicas.
com André Pires
14 e 15 de maio de 2018 | 19h30 às 23h30
Este workshop vai abordar em termos teóricos e com experiências prácticas a audição, a acústica, a amplificação e as ferramentas técnicas do som, o trabalho com som gravado e com som directo e os vários papéis do som no âmbito das artes performativas.
com Luís Miguel Cintra e Levi Martins
17 de maio de 2018 | 14h00
Será uma oportunidade para discutir a relação entre Criação e Produção a partir da experiência singular que deu origem ao mais recente espetáculo deste encenador e da companhia Mascarenhas- Martins - Um D. João Português. Que significa co-produzir com diferentes entidades? Como se gere a criação em diversos espaços? O que é criar de acordo ou em desacordo com as condições de produção? São algumas das questões que as atuais circunstancias do trabalho no teatro colocam ao ato criativo.
Alameda da Universidade
1649-004 Lisboa (ver mapa)
Metro: Cidade Universitária (linha amarela)
Carris: 731, 735, 738, 755, 764, 768
Campo Grande
1700 Lisboa (ver mapa)
Metro: Campo Grande (linha amarela/verde)
Carris: 207, 701, 717, 731, 736, 750, 755, 767, 798
Sala de ensaios do GTIST, na Secção de Folhas
Av. Rovisco Pais, Nº 1
1049-001 Lisboa (ver mapa)
Metro: Metro: Saldanha / Alameda (linha vermelha)
Carris: 712, 714, 727, 732, 738, 751, 756, 760, 724, 720, 742
Biblioteca de Marvila
Rua António Gedeão
1950-347 Lisboa (ver mapa)
Comboio: Marvila
Carris: 759, 793
Junta de Freguesia de Benfica
Avenida Gomes Pereira, 17
1549-019 Lisboa (ver mapa)
Carris: 716C, 724, 750, 784
Biblioteca Municipal Orlando Ribeiro
Antigo Solar da Nora
Estr. de Telheiras 146
1600-598 Lisboa (ver mapa)
Metro: Telheiras (linha verde)
Carris: 747, 767, 778
Praça de Espanha
1050-024 Lisboa (ver mapa)
Metro: Praça de Espanha (linha azul)
Carris: 716, 726, 731, 746 e 756
TST: Praça de Espanha
Avenida das Forças Armadas
Campo Grande
1649-026 Lisboa (ver mapa)
Metro: Entrecampos e Cidade Universitária (linha amarela)
Carris: Aerobus, 701, 744, 754, 755, 783
Rua das Gaivotas, 8
1200-202 Lisboa (ver mapa)
Metro: Cais do Sodré (linha verde)
Carris: 25E, 28E, 706, 714, 727, 774
CP: Cais do Sodré e Santos (linha de Cascais)
Estrada das Laranjeiras, 211
1600-139 Lisboa (ver mapa)
Metro: Jardim Zoológico (linha azul)
Carris: 701, 726, 755, 764, 768
Todos os espetáculos são gratuitos, mas é necessário fazer reserva.
REITORIA DA UNIVERSIDADE DE LISBOA
Núcleo de Programação Cultural e Ligação à Sociedade
E-mail: fatal@reitoria.ulisboa.pt
Até às 16h00 do dia do espetáculo.
Para os espetáculos a realizar ao fim de semana, a reserva só poderá ser realizada até às 16h00 da sexta-feira imediatamente anterior.
REITORIA DA UNIVERSIDADE DE LISBOA
Núcleo de Programação Cultural e Ligação à Sociedade
E-mail: fatal@reitoria.ulisboa.pt
José deixa este mundo e Matilde enviúva ficando com uma filha, Maria José, a seu cargo, já que a outra, Rosário, cuja mão se encontrava prometida a Jorge, depressa sai de baixo das suas saias. Passaram-se alguns anos e a vida, mutável como ela mesma, traz-nos Basílio e José Maria. Depressa apercebemo-nos que não poderia haver maior tragédia que aquela que é trazida pela desgraça do amor e da paixão. Esta é uma trama trágica onde a roleta russa do destino nunca para de girar trazendo consigo consequências imprevisíveis e catastróficas.
Encenação: Pedro Wilson
Texto original: Pedro Stone
Elenco: Andreia Susano, António Maia, Beatriz Ferreira, Carlos Turco, Flávia Costa, Isabelle Carvalho, Joana Pinto, Leonor Mota Freitas, Mariana Lopes, Mónica Alves e Rui Ferreira
Luminotecnia: Pedro Wilson
Sonoplastia: Cénico de Direito
Cenografia e Figurinos: Cénico de Direito
Produção: Cénico de Direito
Duração: +/- 80 minutos
Temos dificuldade em olhar atentamente coisas, imagens sem contornos. Será por isso que a luz forte magoa e fere? Um feixe incandescente que vem todo até às retinas numa imensidão que, na pequena janela ocular, é impossível ser contida. Mas o escuro profundo também não permite ver os contornos do que é visível à luz do dia. Não conseguimos ver o vazio.
Será que conseguimos sequer imaginar o vazio como ele é realmente?
Direção: Hugo Gama
Cocriação e interpretação: Ana Sarroeira, Beatriz Faria, Bruna Viana, Ilpo Lalli, Isabela Borges, Joana Gonçalves, Joana Veloso, João Tavares, Luís Martins, Mafalda Falcão, Marcella Castellano, Maria Calé, Maria Figueira, , Mariana Fernandes, Melissa Loja, Patrícia Botelho, Rita Silva, Rita Valentim, Sara Gil e Tiago Barrento
Luz: André Calado
Som: Rafael Prazeres
Produção: Ilpo Lalli e Tiago Barrento
Vivemos com medo do outro agarrados a um desenvolvimento contínuo de identidades cada vez mais afirmativas e definitivas. Temos de nos lembrar que também respiramos o ar do grande Atlas. As nossas vidas são preenchidas pela procura do desconhecido, de outro lugar e de misturas e transformações que vão sendo constantemente reinventadas.
Um espetáculo que viaja entre os conceitos de corpo e espaço, e ao som de música tradicional, em cenas que pintam situações socioculturais de diferentes períodos da história da humanidade.
Título: The Other (trad. O Outro)
Idioma: Francês
Cenografia: Hind Zakary
Maquiagem: Oumaima Mammad
Técnico de som e luz: Hassan Ait Azizi
Dramaturgia, encenação e coreografia: Hassan Machnaoui
Interpretação: Mariam Boudinar, Salha Charef, Hamza Aghezzaf, Hajar Ouedday, Hana Arib, Fatim-Zahra Kinani, Oussama Bahite e Chaima Alazhari.
"Minha querida Amélie!". É com esta frase que somos confrontados com uma inconstante dualidade entre dois seres num conflito interno incessante. É num espaço deformado que disputam por um amor irreal (talvez) e por um lugar no grande teatro. E, neste jogo, expõem um turbilhão de sentimentos e fraquezas humanas escondidas pelo anseio de sermos quem não somos. Até que ponto a realidade, verdadeiramente, existe? Será o tempo inerte? Será a luz, apenas, uma máscara da insegurança?
Intérpretes: Ana Sofia Nóbrega e Ana Sofia Cunha
Conceção: Ana Sofia Nóbrega e Ana Sofia Cunha
Operação de luz: Raquel Crisóstomo
Operação de som: Raquel Crisóstomo
Créditos de fotografia: Gil Ferrão e Simon Telo
A partir do universo de Mia Couto, o ArTeC leva à cena um espetáculo em que a palavra e a música se encontram. Assim, vamos conhecer um homem que via televisão num televisor sem fios. Conhecer um padre que tem pele de negro mas alma de branco quando confessa…e muito mais porque "em África nem tudo é o que parece". Atores e músicos vão tocar e narrar ao vivo histórias imaginadas por quem sabe sonhar…e fazer sonhar! Sim, ARTEC vai contar MIA… vamos MIATANDO.
Elenco: Afonso Bizarro, Bruno Moreira, Lourenço Oliveira, Eunice Silva, Sérgio das Neves, Pedro Simões e Catarina Poderoso
Textos: Mia Couto
Encenação e direcção plástica: Marcantonio Del Carlo
Produção: Catarina Poderoso
Direção Técnica: Pedro Simões
A vida de dois gémeos num mundo onde não se deve transgredir a história. Um contexto social exacerbado pela miséria económica e moral que tantas vezes vão juntas. O presente é fruto de um passado marcado na pele e nos espíritos, entrelaçado por pequenas coisas, alegrias efêmeras, momentos únicos e irrepetíveis, como o giz no quadro ou como as ondas no rio. O livro de Arundhati Roy, "O deus das pequenas coisas", sonhado em cena por Maricastaña.
Dramaturgia, cenografia e direção: Fernando Dacosta
Iluminação, adereços e técnicos: José Manuel Bayón e Rubén Dobaño
Vestuário e complementos: Tegra
Cartaz e programa: Pablo Otero
Música: Renata Codda Fons
Assistentes de direção: Marcos Vázquez e Héctor Martínez
“Você conhece a realidade?” Esta é a pergunta que o réu, o poeta, coloca a quem o julga. Existirá uma realidade sem sonhos? Ou será que esta não passa de uma ilusão? Num tribunal “deste planeta, desta data desconhecida”, um poeta é acusado de assassinar a realidade, retomando questões metafísicas que acompanham a Humanidade desde os seus primórdios. Mais do que uma luta pela sobrevivência, trata-se de uma luta pela liberdade de existência e de expressão. Cristina Ohana coloca-nos, assim, num julgamento interior, tingido de Rosa, levando-nos a questionar quais são os valores pelos quais lutamos na sociedade actual.
Texto: a partir de Cristina Ohana
Direção Artística e Encenação: Ávila Costa
Elenco: Ana Simões, Andreia Santos, António Santos, Carolina Santos, Fernando Castellar, Henrique Gil, Leonor Vasconcelos, Lúcia Pires, Sabrina Gladio e Vítor Pinto
Produção: Emanuel Cruz e Joana Silva
Desenho de Luz, Espaço Cénico e Figurinos: GTL
Fotografia: Joana Silva
Baseado em Music-Hall e História de Amor (últimos capítulos), de Jean-Luc Lagarce.
Abandonada, uma pessoa revive a sua história de amor, enquanto a escreve e a lê. Talvez não como aconteceu, talvez como poderia ter acontecido, talvez como a imagina. Talvez. Reescreve a sua verdade. Assim como no palco, onde nada é estanque e tudo se refaz, re-imagina, recomeça. Quem nos garante que a verdade é absoluta? Se Music-Hall e História de Amor (últimos capítulos) não fossem dois textos distintos, seriam um espectáculo assim. A continuação um do outro. Ou um no outro.
Encenação e Direcção de Actores: Ana Isabel Augusto
Interpretação: Catarina Loureiro, Catarina Silva, Inês Gonçalves, Inês Pequicho, João Curto, João Martins, Margarida Gama, Matilde Estevinha, Mónica Parreira, Pedro Vidigal e Pedro Vieira
Sonoplastia e Luminotecnia: Ana Isabel Augusto
Fotografia: João Caseiro
Cartaz: Velias
Produção: André Carvalho
Trabalho em processo centrado no texto "Horácio" de Heiner Müller, com excertos de "Os horácios e Os Curiácios" de Bertolt Brecht e "Horácio" de Pierre Corneille. É entre a confecção de uma pizza, um jogo de mesa e um jogo no palco, que nos propomos a visitar três géneros teatrais e a retomar questões de ontem reformuladas à luz do nosso quotidiano. Tendo como foco a palavra e insistindo no movimento de voltar atrás, de repetir, de colar, de reescrever, de ampliar, de argumentar gostaríamos de tornar o verbo vivo e encarnado, fazendo dialogar os fantasmas dos nossos fantasmas.
Encenação e dramaturgia: Sandra Hung
Texto: Heiner Müller
Tradução: Anabela Mendes
Elenco: Beatriz Pratas, Raquel Martins, Andreia Custódio, Francisco Sousa, Henrique Ribeiro, Beatriz Nunes, Marta Inocêncio, Gabriel Sousa, Afonso Patrício Marques
Desenho de Luz: João Chicó
Música e efeitos sonoros: NuMac - Núcleo de Música Arte e Cultura FCT-Nova
Coreografia: Sandra Hung e NuDança - Núcleo de Dança FCT UNL
Vídeo: João Seiça
Fotografia: NuFoto (Núcleo de Fotografia FCT UNL) e Beatriz Pratas
Produção: NNT
Apoios: Câmara Municipal de Almada, Direção FCT/UNL, AEFCT
Agradecimentos: Anabela Mendes, João Hungria e Artes e Engenhos - Associação Cultural
Pensamos sempre que podemos mudar, que podemos mudar tudo, que enquanto lá estivermos tudo pode ser mudado e isso só depende de nós. Nada disso é verdade, ou quase nada é verdade, mas é esse quase que nos faz fazer coisas e deixar que essas coisas nos façam… O segredo para a felicidade é ter uma má memória.
Texto e Encenação: A. Branco
Interpretação: Ana Isabel Tam, António Caldeira, Catarina Fernandes, Catarina Gamboa, Catarina Pinto, Francisco Eduardo, Pilar Grange, Sofia Abranches Matias, Sofia Dias
Ilustrações: Pedro Loureiro
Produtor executivo: Afonso Theias
Produção: AEFCL - Associação dos Estudantes da Faculdade de Ciências de Lisboa
OS SAPATOS nasce do texto homónimo de Yvette Centeno, gentilmente cedido ao CITAC a propósito da comemoração dos 50 anos. Para nós, o texto da Yvette Centeno é antes de mais um ponto de partida, um exercício estético do qual arrancámos as suas acções, conteúdos, algumas personagens, várias matérias e objectos. Trabalhámos conteúdos como identidade, conflito social, tempo, crises existenciais e procura pela libertação. As personagens que sobreviveram ao processo criativo foram trabalhadas numa perspectiva da multiplicação, do desdobramento dos múltiplos que há em nós. (“Duas velhas descalças, uma vestida de preto, outra vestida de branco”. Uma bailarina: o momento exacto antes do fim da vida. Um pianista diluído num caminho interrompido. Um empurrão que transforma e revela. A felicidade de sermos um todo: feminino e masculino; vigorosos e delicados. De ter um corpo e duas almas. De ser prazerosa a transformação. Todos somos pedaços deste universo cujos braços extensos arrastam outros corpos pela corda do tempo. Um tempo que prende, molesta e transforma. Seres mitológicos e personalidades dentro de sapatos. Sapatos que nos dominam, que nos abrem caminho entre a multidão. Um armário. Solitário. Que suga, devora e cospe. Das palavras da Yvette incorporámos toda a sua existência poética e surreal que nos lançou num desafio a azul.
Co-criação e Encenação: Cheila Pereira e Margarida Cabral
DEMO (Dispositivo Experimental, Multidisciplinar e Orgânico)
Interpretação e textos originais: Celine Marie, Diogo Figueireido, Letícia Moro, Luca Rosania, Priscila Bueno, Raquel Montenegro, Ricardo Batista e Zé Ribeiro
Sonoplastia e Composição Musical: Francisco Correia
Desenho e Operação De Luz: João Leitão
Cenografia: Cheila Pereira e Margarida Cabral
Design gráfico: Joana Monteiro
Produção executiva: CITAC 2017
Apoios: CAPC, TEUC, Máfia – Federação Cultural, RUC, TAGV e GEFAC
“Mas não posso. Seria a ruína. Seria deixar cegos os meus filhos e depois que faço com o público?
O que faço com o público se tiro o parapeito da ponte? A máscara veria devorar-me. Vi uma vez um homem devorado pela máscara. Os jovens mais fortes da cidade, com lanças ensanguentadas, metiam-lhe pelo traseiro grandes bolas de jornais deitados fora, e na América houve uma vez um rapaz a quem a máscara enforcou pendurado pelos próprios intestinos” - Diretor
No limbo entre o teatro “ao ar livre” e o teatro “de baixo da areia”, mergulhamos num mundo onde “amo-te” e “cuspo-te” são os mesmos sentimentos, onde nos questionamos sobre o que significa ser um homem, ser um cavalo e ser um humano. Um texto “irrepresentável”, muito surreal, onde as mensagens estão quase tão enterradas quanto o teatro.
“Senhor” – Criado
“Que é?” – Diretor
“Está aí o público,” – Criado
“Que entre” - Diretor
Excertos retirados de O Público, de Frederico García Lorca. 1989 Edições Cotovia
Coordenação: Sara Masqueiro
Encenação: Pedro Lacerda
Espaço cénico: GTIST
Figurinos: GTIST
Desenho e operação de luz: Inês Silva
Concepção sonora e sonoplastia: GTIST
Produção gráfica: GTIST
Vídeo: GTIST
Interpretação: Joana Marques, Carolina Guerra, Emanuel Frazão, Sérgio Marcelino, Inês Nunes, Sofia Sequeira, Sara Masqueiro, Filipe Sousa, Isis Bernard, João Silva, José Pedro Fernandes, Miguel Pires Ramos, Lúcia Cruz
Não Kahlo é canibalista. Comeu a orelha direita de Van Gogh.
Não Kahlo é cleptomaníaca. Roubou as rosas de Santa Isabel para adornar os cabelos de Frida.
Não Kahlo é contra-hegemónica. Arrancou o bigode de Dali para fazer a peruca de Barloff.
Não Kahlo é inconformada. Abriu a vala de Shakespeare para desenterrar a caveira de Yorick.
Não Kahlo é amante. As suas criações são exercícios espirituais.
Não Kahlo é iconoclasta. Subtraiu um prego à cruz e pregou-o na lista telefónica.
Não Kahlo é a acção de se desdobrar em infinitas mulheres.
Produção: D. Mona
Texto, Encenação e Cenografia: Mónica Kahlo e Sílvia Raposo
Interpretação: Mónica Kahlo, Sílvia Raposo, Anabela Pires, Margarida Camacho, Liane Bravo
Figurinos: Helena Raposo
Grafismo: Sílvia Raposo
Apoio Técnico: Pedro Milo
Medeia tem vindo a ser uma das minhas obsessões nos últimos 2 anos. Pela dificuldade dos temas que aborda, pelas questões intrínsecas que levanta e, essencialmente, por ser um dos textos da antiguidade que, no meu ponto de vista, talvez comunique melhor como nosso tempo. Quem, de entre os mais jovens, não experimentou a dor do ciúme e da traição? Quem não viu transformar o seu amor num sentimento de ódio? Quem, por outro lado, não deseja amar como amaram Jasão e Medeia? Quem, contra todas as expectativas, não acha o discurso de Jasão o mais prudente e sensato? Quem, acima e para além de tudo isto, não tenta entender aquela mãe que mata os próprios filhos? Quem é que acha que ela é uma revolucionária? Quem acha que ela é uma louca? Quem acha que ele é xenófobo e racista? Ou, por outro lado, que é um sobrevivente que merece uma segunda oportunidade? Quem é quem? Onde é que eu me situo? Onde me revejo? Esta versão é uma tentativa de vislumbrar, através do treinamento dos diversos mecanismos físicos, intelectuais e emocionais, o território de cada um de nós, emprestando as nossas pequeníssimas almas a estes monstros trágicos idealizados por Eurípides, numa tentativa de lhes devolver a humanidade e a dignidade que eles merecem.
Texto: Eurípides
Direção: Martim Pedroso
Assistência de Ensaios: Ana Rita Ervilha
Direcção de Cena: Rui Flora
Elenco: Adriana SáCouto, Ana Constantino, Carolina Cardoso, Duarte Pinto da Mata, Filipa Nascimento, Mariana Montenegro, Pedro Doll, Rafaela Ferreira, Séverine Stegazzo, Sofia Carô
Preparação Vocal: Rui Baeta
Coordenação de Produção: Nélia Cruz
Coordenação de Espaço Cénico: Sara Franqueira
Coordenação de Figurinos: João Telmo
Coordenação Pedagógica: David Silva
Direcção de Produção: Alexandre Tavares
Direcção Técnica: Rodrigo Sousa Machado
Ambiente de Espectáculo: João Cruz
Apoio à Dramaturgia: Paula Magalhães
Apoio ao Movimento: Maia Ornelas
Comunicação: António Quadros Ferro
Design Gráfico: Gisela Abreu
Foto do Cartaz: Ana Rita Ervilha
Fotos de Cena: Cristiano Luís, Carla Maria Santos, Filipe Figueiredo
“Ópera dos Mendigos” de Vaclav Havel é uma adaptação livre, altamente politizada, da famosa obra homónima de John Gay, do século XVIII. Tal como na “Ópera dos três vinténs” de Brecht / Weill, a peça de Havel usa o meio do submundo para explorar os temas do amor, da lealdade e da traição, que se entrecruzam, expondo questões subjacentes à realidade social e política, com grande actualidade, de uma forma animada, alegórica e sensível.
Encenação e Dramaturgia: Júlio Martín da Fonseca
Tradução: Mafalda Coelho, São Freitas, João Nabais, Pedro Falé, Lara Fontes, Luís Miranda, Patrícia Couto, Francisca Pais, Rita Morais, Mário Brito, Vera Freire, Manuel Vieira
Interpretação: Pedro Falé, Luís Miranda, Helena Reis, Marisa Franco, Manuel Vieira, Leonor Vasco, Ana Morais, João Nabais, Manuela Martins, Vera Freire, Lara Fontes, Patrícia Couto, Francisca Pais, Leonor Belo, Mário Brito, Miguel Gameiro, João Silva, Max Pinheiro, Marta Carreira e Rita Morais
Música: Helena Reis
Direção de Produção: Nuno Cortez e Manuel Vieira
"O Casaco" é um exercício teatral escrito por Athol Fugard da África do Sul para o mundo , é sobre um bairro de negros , tantos que os há pelo mundo, e sobre um casaco. um casaco de um pai de família que é preso e o que volta não é o homem mas sim o seu casaco, através de várias hipóteses as improvisações vão surgindo e o jogo dos actores ganha forma transformando-se em espectáculo.
Com: Catarina Rosa, Gonçalo Vale, João Carreiro, Margarida Martins, Mariana Correia, Mariana Rendeiro, Mariana Vences, Mauro Duarte, Pedro Tavares e Ricardo Rocha Pereira
Tradução: Sara Graça
Encenação: Marina Albuquerque
Figurinos: João Telmo
Luz: Cláudio Botica Marto
Assistente: Margarida Cércio
Música: Ricardo Rocha Pereira e Rui Damâso
Produção: João Carreiro e Mariana Rendeiro
Vídeo: Gonçalo Pina e Claudio Salves
Fotografia: Ricardo J. Vaz
Cartaz: Johnny T.
“Em Paris há uma rua
Nessa rua há uma casa
Nessa casa há uma escada
Nessa escada há um quarto
Nesse quarto há uma mesa
Nessa mesa há uma toalha
Nessa toalha há uma gaiola
Nessa gaiola há um ninho
Nesse ninho há um ovo
Nesse ovo há um pássaro.
O pássaro derrubou o ovo
O ovo derrubou o ninho
O ninho derrubou a gaiola
O gaiola derrubou a toalha
A toalha derrubou a mesa
A mesa derrubou o quarto
O quarto derrubou a escada
A escada derrubou a casa
A casa derrubou a rua
A rua derrubou a cidade de Paris.”
(canção infantil - Les Deux-Sèvres - Paul Éluard, Poésie Involontaire et Poésie Intentionnelle)
Espetáculo: TEUC 2018 - 80 anos
Encenação: Rita Morais
Hoje sinto-me benevolente, por isso vou dar-lhes uma hipótese.
Uma casa normal, uma vida normal, uma família normal. Isto é, se excluirmos os problemas individuais de cada um – o amor, o trabalho, a vida. Hoje parece que nada corre bem… Mal eles sabem que hoje
Alguém terá de morrer.
Isto é impossível! Não me podem fazer isto! Como se eu não tivesse problemas que cheguem.
Não imaginei que isto podia acontecer.
Vai para aqui, vai para ali, dizem eles. E eu que fique fechada no meu quarto. Nunca tive o respeito que merecia. Mas pelo menos Deus não me há-de deixar mal.
Eu só queria que alguém me visse. Eu só queria que alguém olhasse para mim e visse algo mais. Tudo o que eu queria era alguém que me amasse. Não tinha de ser assim.
Vou aqui, vou alí e ninguém de dá o mérito merecido nesta casa. Estas andam para aqui e para alí sem fazer nada. Bem, independentemente do que aconteça hoje, o importante é manter as aparências.
Este mundo está fora de controlo. Basta olhar para mim, posso quase dizer que sou um reflexo do mesmo. Estou farto.
Está tudo pronto. Tenho de feito de tudo por eles. Só espero que isso não volte para me atormentar.
Texto: Luiz Francisco Rebello
Encenação e dramaturgia: Tatiana Gomes
Elenco: Alexandra Almeida, Beatriz Vieira, Iúri Coelho, João Martins, Pedro Santos e Sara Sousa
Cenografia e Figurinos: Coletivo
Música: Iúri Coelho
Design de luz: Tatiana Gomes
Três tristes tigres que são feitos de papel.
Olhos de animal, olhos de ser ninguém.
Três tristes tigres que são um de cada vez.
Três tristes tigres que vivem e não são três.
Três tristes tigres com casas de corpo pele.
E uma casa é onde o corpo é.
Três tristes tigres que não são tigres nem três.
Nem tristes são, são quem são, vivem a viver.
E uma casa é onde o corpo é.
E uma casa é onde o corpo é.
E o que nos resta é o corpo que casa é.
Vivemos sós, numa ilha que não se vê.
Direcção: Uma criação colectiva de António Pacheco, Bruno André Moreira, Filipa Alves Fonseca, Daniela Araújo Braga, Joana Mont’Alverne, Marisa Catita, Sara Oliveira e Tiago M. Carvalho.
Interpretação: António Pacheco, Bruno André Moreira e Filipa Alves Fonseca.
Cenografia e Figurinos: TUP
Desenho e operação de luz: Francisco Campos
Música e operação de som: Nuno Oliveira
Design: Nuno Matos
Ilustração: António Pacheco
Apoio técnico: Eduardo Brandão
A partir de receitas gastronómicas de vários autores o grupo foi desafiado a juntar-lhe memórias gastronómicas pessoais, e o projeto cresceu a partir dai. Como resultado surgiram pequenas performances onde o espectador é desafiado a uma viagem pelos sentidos, antes, durante ou até depois da ação dramática. O contacto com o cheiro dos aromas gastronómicos, a visão e audição com a performance e ainda o paladar com a degustação final, são elementos por excelência desafiadores para os elementos do GTFUL e para os espectadores.
Dramaturgia: Coletivo, a partir de textos individuais, de António Corrêa D`Oliveira, Eça de Queiroz, Kafka, Maigrait, Reinaldo Ferreira e Sidonie-Gabrielle Colette
Encenação: João Ferrador
Com: Alda Guimarães, Alexandra Oliveira, Armando T. Almeida, Conceição Freitas, Cristina Oliveira, Eduarda Araújo, Fernando Alves, Hugo Louro, Ioana Santos e Júlia Alves.
A memória dos sentidos é a base do trabalho sobre O Método, de Lee Strasberg, e é utilizada por performers de várias disciplinas artísticas. Este workshop estimula o (re)conhecimento dessa memória, através de uma estimulação específica, que permitirá aos participantes fazerem escolhas pessoais para os seus processos criativos.
Nota: No final será passado um certificado para quem participar nos dois módulos sendo necessário o envio do nome, que pretendem que seja inscrito, por email para festimdepan@gmail.com. Schiappa é Formador certificado pelo Sistema Nacional de Certificação Profissional, nº EDF 39525/2004 DL
Estudantes: 1 Módulo: 25€ | 2 Módulos: 40€
Público em geral: 1 Módulo: 30€ | 2 Módulos: 55€
Estudantes de Cinema e Teatro, Atores e Encenadores
até dia 12 de maio
Bruno Schiappa
Ator, Encenador, Dramaturgo, Coach, Investigador
Filmografia | Agenciamento
Doutorado pela Universidade de Lisboa, está em investigação de campo, em Pós Doutoramento, com uma bolsa atribuída pela Fundação para a Ciência e Tecnologia. Há 24 anos que forma atores. Foi membro da companhia de teatro canadiana Pigeons International de 2001 a 2008. Integrou o elenco do último filme de Terry Gilliam além de ter participado em vários filmes e produtos televisivos. É autor e encenador de vários projetos pessoais e Investigador Integrado do Centro de Estudos de Teatro da Universidade de Lisboa. É ainda especializado nas técnicas de O Método, com Marcia Haufrecht, e de Teatro Físico com Eugenio Barba, Thomas Metler e Sergei Ostrenko.
A dramaturgia, na contemporaneidade, já não é somente uma disciplina de âmbito teórico onde se aprende a identificar e analisar modelos de dramaturgia escrita ou mesmo a compor e rescrever textos dramáticos, mas uma prática e modo de estruturação de um espectáculo, um sentido que retira a prática dramatúrgica do âmbito restrito do trabalho sobre o texto literário e coloca essa prática no amplo domínio da criação de um espectáculo. Posto isto, o workshop, através de uma componente prática, tem como objectivo compreender e experienciar o modo como estes entendimentos coexistem, bem como refletir e evidenciar os princípios básicos diferenciadores da prática dramatúrgica, que não pertence somente ao "teatro" entendido como lugar exclusivo da Palavra ou do Texto.
Dizer é fazer: a performance narrativa de John Austin.
O programa visa, sensibilizar os estudantes para os principais conceitos presentes na teoria de John Austin, tais como "atos de fala", "declarações performativas" ou "performativo", aplicando-os ao texto dramático. «Dizer» já não é «fazer», como argumentava Austin, mas «escrever» é «fazer», evidenciando a função performativa da escrita.
A teoria de John Austin aplicada à dramaturgia. A procura por um lugar entre a dramaturgia e a literatura.
O módulo 2 visa confrontar os principais conceitos Austinianos e a função performativa da escrita com os argumentos em torno da distinção/aproximação entre teatro e literatura em José Maria Vieira Mendes. Procura-se contextualizar o teatro do séc. XX e a crítica à tradição de origem romântica que enaltece a figura do autor literário e olha para o espetáculo como tradução da escrita; A oposição entre teatro e literatura; O teatro de texto ou literário, institucionalizado entre os séculos XVII e XIX, e o teatro de arte ou antiliterário, instaurado nos finais do século XIX associado às vanguardas do início do século XX; O texto entendido enquanto literatura dramática.
O texto dramático na pós-modernidade e a noção de «fim da arte» como eixo norteador do texto dramático contemporâneo.
O módulo 3 tem como objetivo evidenciar os principais pressupostos da pós-modernidade, procurando destacar conceitos como «vanguarda», «arte transestética» ou «morte da arte» através da análise dramatúrgica de um texto dramático contemporâneo (presente no programa). A partir da análise de texto procurar-se-á atender o modo como a escrita dramática na pós-modernidade é marcada por uma acentuada pluralidade de discursos e uma co-habitação de conceitos, com destaque para introdução do conhecimento científico no texto dramático.
Introdução às dramaturgias do real.
O módulo 4 procura analisar uma viragem performativa que assenta em modos de ruptura e renovação de linguagens estéticas e dramatúrgicas, marcadas pela irrupção de determinadas "formas do real" em cena, dependentes de uma dramaturgia pós-dramática. Destaca-se a hibridização das fronteiras entre o "real" e a "ficção" e a dimensão biográfica dos intérpretes como matéria bruta para a criação do texto dramático.
Componente prática: como escrever um texto dramático?
O módulo 5 privilegia um trabalho de orientação que vise transformar o texto científico/literário ou materiais textuais em conteúdo dramatúrgico significativo. Este módulo tem por objectivo introduzir o estudante numa prática dramatúrgica mais autónoma, concreta e potenciadora dos sentidos dominantes de um possível espectáculo a realizar.
Estudantes da ULisboa: Gratuito
Público em geral: 40€
Mínimo de 5, máximo de 25 pessoas
até dia 8 de maio
Sílvia Raposo
Sílvia Raposo nasceu em Lisboa a 9 de Junho de 1993. É investigadora colaboradora no CRIA. Doutoranda em Artes Performativas e licenciada e mestre em Antropologia, tendo preparado a dissertação «Estado de Insurgência»: Performance, política e resistência nas práticas artísticas contemporâneas. Inicia a sua actividade enquanto investigadora no Laboratório Arquivo Jill Dias (AJD/CRIA/FCSH-NOVA). Desenvolve pesquisa sobre os domínios da performance, movimentos artísticos contemporâneos, resistência política, memória, Islão e terrorismo. Fundou a Companhia Vidas de A a Z, em 2014, e as produções D. Mona, em 2017, em parceria com Mónica Kahlo, onde desenvolve funções como dramaturga, encenadora, produtora e actriz.
Neste processo de formação vamos tomar consciência da nossa voz, como desenvolver a comunicação e expressão e, ainda, experimentar as suas
possibilidades no relacionamento criativo para cena. Aprender a aquecer a voz preparando-se para as apresentações públicas.
Vamos desenvolver a facilidade de emissão do som com exercícios de respiração, exercícios vocais e de articulação. E vamos explorar as relações corpo-voz- linguagem. A este trabalho associam-se exercícios de dinâmica de grupo, jogo dramático, liberdade vocal e imaginação. Como usar a voz para dizer o Texto: Clareza, articulação, sonorização das palavras e como passar as ideias, que o texto traz, para cena.
E que a aventura comece entre nós e as palavras!
Estudantes: 35€
Profissionais das Artes do Espetáculo: 40€
Duas Sessões: 70€
Mínimo de 6, máximo de 12 pessoas por sessão
até 12 de maio
Inês Nogueira
Atriz e Cantora
Licenciada em Teatro pela Escola Superior de Teatro e Cinema
Este workshop vai abordar em termos teóricos e com experiências prácticas:
1ª sessão: questões teóricas e técnicas
2ª sessão: experimentação práctica
Estudantes: 45€
Público em geral: 60€
até 12 de maio
Máximo de 10 participantes
André Pires
O FATAL e o Evento Beyhond Creative (FLUL e American Corner) organizam no próximo dia 17 de Maio uma masterclass conduzida por Luís Miguel Cintra e Levi Martins. Será uma oportunidade para discutir a relação entre Criação e Produção a partir da experiência singular que deu origem ao mais recente espetáculo deste encenador e da companhia Mascarenhas- Martins - Um D. João Português. Que significa co-produzir com diferentes entidades? Como se gere a criação em diversos espaços? O que é criar de acordo ou em desacordo com as condições de produção? São algumas das questões que as atuais circunstâncias do trabalho no teatro colocam ao ato criativo.
Luís Miguel Cintra
Levi Martins